Piano & me

Connie Z.

如果是手型上面没问题，那么大概有两个层次

1. 每个手指的力度应该掌控自如，想强就强，想弱就弱，一个手的不同手指触键时，想力度平均也好，想哪些手指什么时候弱同时同一只手的另一些手指什么时候强，都很自如，这是指触键力度。一般练习到巴赫的二部三部赋格时候就能看出来这个基本功是否到位了。

2. 不同的触键方式出来的音色完全不一样。手指直立与稍微倾斜的触键出来的音色从雄浑到轻柔都完全不一样，这个一般层次要再高一些了。一般考级也要到考10级甚至之后才可能涉及到的吧。

Connie Z.

关于学琴的方向，看了好多家长的意见，很多家长都愿意小孩走专业路，甚至有些家长为保证练琴时间帮助小孩做作业（惩罚性的重复作业），真是用心良苦啊。多多也刚上一年级，我也感觉小孩作业有点多，难度有点偏难，特别是在期末时候，主要以大量重复型练习为主，练琴时间每天也缩短为半小时。但是这也是小孩这个阶段的学习特点吧，为什么就要觉得学习上的重复不好，每天三遍、五遍，一小时、三小时的哈农，车尔尼不也是以重复为主。我也非常愿意小孩能走上专业道路，而且专门向钢琴老师作了了解。老师倒不建议过早确定报考音乐附中，她认为如果报考音乐附中，基本其他学科就是一个形式了，而且，现在的音乐学院，还真不是一般人能上的。如果不走专业，学钢琴该怎么学？每天的练习该怎么制定？
两年的陪练下来，我越来越觉得，音乐应该是情感流露的一种表现形式，而钢琴，是这种表现的载体。情感表达可以是话语、是文字、是图画、是诗歌、是舞蹈、是音乐、是手势等等，一个能够恰如其分、准确地表达自己所思所想的人无疑是很幸运的。因此，学习钢琴，学习音乐，根本的目的还是应该让小孩学会该怎样去领会曲子表达的意思，当然，最好能够加上自己的理解、自己的感情色彩。看过一部韩国电影《MY PIANO》(中文译名：为了霍洛维茨)，小音乐神童对练琴厌烦了，老师带他去游乐园玩耍后，他可以用钢琴把见到的松鼠、大象、河马表现得惟妙惟肖，并用一段优美的曲子来描绘自己的老师，充分的展现了小孩的天真、顽皮和纯洁。对于99%不能成为郎朗、李云迪、陈萨式的琴童来说，我们是不是应该把这个作为钢琴学习的基本出发点呢？当你悲伤时，高兴时，孤独时，得意时，幸福时，有钢琴陪伴，不亦乐乎！
当然，除了《海上钢琴师》里一摸琴键就能弹奏美妙旋律的1900外，大部分人要能实现这样的表达是需要通过长时间、坚持不懈的训练。所以，持之以恒、方法正确的训练是必不可少的。但是，跟很多学问一样，钢琴学习也是“功夫在诗外”。学习钢琴，更应该多带她去看看大自然，发现自然之美，多听听不同形式的音乐，培养乐感和节奏感，多读读优美的诗歌，多看看美丽的图画。当然，不论有多忙，尽量要抽出时间坚持每天键盘上的练习，这是基本功。如果缺少练习，就像作家找不到合适的词组，就算有了灵感，怎么也不能形成一篇好文章。
不要急功近利，不要朝三暮四，不要一曝十寒，回到音乐的本质吧！

Connie Z.

Complete list of teachers http://www.sandiegomtac.com/teachers-find.php

我最近才认识一个水平很高的中国老师，她从高中就从师于但昭仪了。但昭仪带出了李云迪，陈萨，张雨辰，等等高水平的国际钢琴演奏家。这个老师的名字是刘渝。对于钢琴非常有passion。人也超级耐心。她本人在U of Michigan Ann Arbor 拿的钢琴教育的博士。

看哪个老师好，还是看适不适合自己的孩子。

我个人觉得好的老师要知道怎么根据学生个人的素质和情况因人而异的教学，能在很快时间内有质的飞跃。另外就是不光要严格，要能说到点子上。看出问题所在。还有就是不能收太多的学生，光为了赚钱。要能够Personal一些的老师。好的老师会让学生想去上课，能学到新的东西。另外能帮学生把基础打好，不能求快。而且会鼓励和带领学生参加各种比赛。以上都是我个人看法。不是很全面也不专业，仅供参考。

Connie Z.

习惯一：
   弹琴前做些手指拉伸的动作。
   动作以手指韧带的拉伸为主，不要太用力。目的类似于跑步、游泳前的准备运动，能使你更快地进入弹琴状态。冬天的话可以先抱会儿热水袋暖暖手。

习惯二：
   坚持每天弹一段哈农。
   只要你开始弹哈农了，就坚持每天弹一段。这样，即使每天没太多时间碰琴，也能使你的水平不至于退得太厉害。对初学者来说，每天弹哈农更能保持稳定的进步。

习惯三：
   尤慢至快。
   慢练的好处实在太多，我就不说了。总之，慢练就是王道。

习惯四：
   第一遍弹就重视谱子上的每一个符号。
   许多人第一遍弹都会忽略谱上的表情记号，然后在弹熟后改，其实在第一遍弹时就注意表情符号更能加深对曲子的理解。

习惯五：
   弹琴时备一支铅笔。
   很多时候谱子上并没有详细的指法、强弱指示，这时候，就需要用笔来把我们自己认为合适的指法、强弱等记号标上去。记住要用铅笔，不然写错很难改哦！

习惯六：
   没弹熟一首曲子前少听录音。
   录音只不过是一个参考，没弹熟就听录音往往会导致我们去模仿录音，从而盲目追求速度，并失去自己对曲子的理解。

习惯七：
   学会分段练习，单独揪错。
   不要每次都从头弹到底，第一遍弹一首曲子是先把它分段，熟悉一段以后再练下一段。一旦发现哪里有错误，要单独把错误的地方挑出来改正。分段练习也更有利于曲子的整体把握。

习惯八：
   尽量保持良好的手型。
   不论弹什么曲子，不论用什么速度弹，尽量保持良好的手型。也许有人会说：速度上去了，手型就没法保证了。其实不然，能在高速弹奏中保持良好的手型也是检验基本功是否扎实的标准之一。
   PS：在你没有达到大师级水平前，不要问为什么录象里钢琴家的手型、触键并不符合要求。

习惯九：
   弹与自己水平相近的曲子。
   很多人喜欢弹超出自己水平很多的曲子，这样做其实是有害而无益的。曲子超出自己水平很多，你就很难保证自己技术处理上的准确性，甚至会有大量的错音。而且以后即使有水平弹奏这曲子了，也很难改回来。（这是我血的教训）

习惯十：
   学会背谱。
   很多好老师都会要求学生有目的的背谱。这并不仅仅是在锻炼你背谱的能力，而是要你有更多的保留曲目。这样既能提升对曲子的理解，也可以偶尔在人前“秀”一下。（我从小就吃这个亏...）

习惯十一：
   明确每天练琴的目标，不要同时练很多曲子。
   和学习工作一样，练琴也需要有目标。比如确定今天要练熟曲子的某一段，或者要把某首曲子背出来等等。不要盲目地同时练很多曲子，囫囵吞枣式的练习会使你感到进展缓慢。相比之下集中突击一到两首曲子效果会好很多。

习惯十二：
   严谨至上，切忌得过且过。
   弹琴不严谨可以说是业余弹琴者的通病。弹琴过程中难免会有各种各样的难点，这时千万不能有得过且过的心理，每啃下来一个难点，水平就上个台阶。

习惯十三：
   经常使用节拍器。
   虽然曲子的节奏是活的，但在曲子的框架没成型之前，多用节拍器。节拍器控制节奏只是它最基本的功能。在弹奏练习曲时，可以靠节拍器实现逐渐提速。

习惯十四：
   经常返工以前弹过的曲子。
   所谓“温顾而知新”，我已经弹过的曲子并不代表我已经真正掌握它。许多乐曲理解、技术处理上的要点第一次弹完曲子时并不一定会理解，都需要在水平更进一步后，靠返工来巩固、认识。

习惯十五：
   避免超负荷的练习。
   今天就看到一个“弹琴弹到手疼”的帖子，或许是练习方法上的问题，但超符合练习也会导致手疼。虽然苦练、多练的确有利于技术的进步，不过也要有个度，弹的过多也会伤手，反而不利于进步。

习惯十六：
   学会保护双手。
   很多男同胞都喜欢打篮球、攀岩等等户外体育运动，其实这是很容易伤到手的。轻则韧带拉伤，重则骨折，这对我们弹琴者来说是致命伤。（我的钢琴老师曾明令禁止我打篮球）许多女孩子都喜欢留长指甲，这也是弹琴的大忌。

最后总结一些关键字做为中心：严谨、扎实、坚持、合理、适度、动脑。

Connie Z.

谈谈钢琴演奏中的乐感在钢琴演奏中，乐感、手感、气感这三方面相辅相成，应融为一体。
所谓乐感，是指演奏者对音高，节奏，调式，调性，和弦，曲式，旋律的感觉或者说是反应的灵敏程度。对于作品来说是指演奏者，对演奏的曲目，是否能激起满腔的感情从而创造性地再现乐曲，并通过演奏者的演奏传达给听者，使听者通过声音的媒介去领会作曲者所要表达的一种情绪，而最终达到共鸣。因此，乐感即是对音乐乐曲本身的包含的思想感情的一种准确深刻的表现。
如果不具备良好的乐感，单凭高超的演奏技术，是很难真正感动人的。那么“乐感”究竟如何产生呢？这里有两种途径，一种是天赋，即“灵气”；比如象王晓东，肖邦等，而大多数人是经过后天的勤奋努力逐步培养而成的。其间即包含者本身的音乐修养与个人的生活经历。所以我在教学过程中总是鼓励学生多读书，特别是人文科学方面的书，比如：世界名著，哲学，心理学等，由于综合素质的提高，必然会在乐曲的演奏中充分体现出音乐的感情特征。其中我特别推崇唐诗宋词，因为音乐实际上描写的是一种意境一种情感，而唐诗宋词同样是意境和情感的表达。人说诗中有画，画中有诗，我说音乐中有画，有诗。有着一切的艺术的美。人一般都具有音乐的某种天赋与灵气，只是这些潜意识未经后天的挖掘而没有展现罢了。因此，后天的训练与培养尤为重要。所以开发音乐的智慧与后天的艰苦训练相结合，方能培养出具有良好乐感的钢琴演奏人才。具体在钢琴教学中，我从一开始就有意识地去加以注重。比如强调严格按照乐谱上的表情记号进行演奏，在练习时不但要用心去听，去想。去体会，仔细的演奏好每一小节甚至每一个音符。严格的按照谱面上的指法，演奏技法去演奏，而且要边演奏心里一边默唱。要有表情的去唱，要从心里感到自己是最美的。最漂亮的。从一开始刻意的去做力度的变化，逐渐过渡到自觉的，自然的去表现音乐中的强弱的变化，进而发展到将自己和音乐融在一起，做到人琴合一。另外多听好的录音碟片，看好的有名的大师的示范表演，并且要多唱，对乐感的培养是大有好处的。

Connie Z.

肖邦作品的内容和他的表现方法，可以说是用最凝炼最简洁的形式，表现出最强烈的情绪的精华，浩瀚无涯，奇橘恣肆的幻想，象晶体～样的明澈；心灵最微妙的颤动和最深造的幽思，往往紧接着慷慨激昂的英雄气魄，和热情汹涌的革命情神；一忽而是无忧无虑，心花怒放的欢乐，忽而是凄凉幽怨，仍然若失的梦境；按刻精工的珠宝旁边，矗立着庄严雄伟的庙堂。在肖邦的作品中，爱好抒情的人能发见无穷的诗意与感情；爱好史诗的人能找到勇猛的飞翔，战斗的冲动，甘美的恬静；喜欢古典精神的人可以欣赏到适如其分的节度，条理分明的结构；长于技巧的人会发现那是最能发挥钢琴特性的乐曲。界各国真正长于表达肖邦的大家，对于这个天才作曲家留下的宝藏，所抱的热爱与尊敬的心，无疑是一致的，过去如此，现在也如此。所不同的是，我们这时代的倾向，是要把过去伟大的作品表现出他们纯粹的面目，摆脱一切过分的主观主义，既不拘束表情的真诚，也不压制真有创造性的，兴往神来的表演。

Connie Z.

在教学上有“教学有法,教无定法”之说。其意思是教师应该善于使用教材,但是又不要照本宣科,为教材所束缚住。钢琴的练习方法上,也可以说,“练习有法,但无定法”。练习者大都是从基本技巧开始,其方法却是多种多样,千变万化的。每个练习者应该根据自己的具体情况,做具体分析和具体对待。世界著名的钢琴家,他们的练习方法也不尽相同。

　　德国钢琴家巴克豪斯说:“应该强调音阶、琶音及巴赫作品的练习。每天都练半小时以上的音阶、琶音,但都要加上表情。只练那些旋律动听、自己非常喜欢的作品是很有害的,不能认为只把技术上困难的地方练好就是达到了目的了。即使是最简单的乐曲,要做得完美也是困难的,也要多加练习。”

　　智利钢琴家克劳迪·阿劳说:“在十二三岁的时候,每天练习三小时的基本练习,十四岁以后改为练习曲的困难部分。他认为每天练习的时间应随着每个人的体力、精力而定。最重要的是身体不觉得疲劳,提倡要身体放松,精神集中地演奏音乐。”他还强调“在初学阶段必须进行很多的技巧练习。”

　　西班牙女钢琴家艾丽琪亚·拉罗查说:“练习好音阶、琶音是必须的,练习时要根据自己的弱点,需要而有所不同。练习和弦是要用很慢的速度来弹,把手放在键盘上感受它的扩张。”她主张手小的学生应时常做一些手指伸展练习的动作。

　　奥地利钢琴家卡沙德修斯说:“练习时要弹得很慢,不用踏板,听清乐曲中的每个音,然后用‘心’来弹奏。如果需要一些特别的技巧,如八度就找一些八度的曲子来练。

Piano & me

Friday, May 18, 2012

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